Jazz-roads: tutte le direzioni del jazz

Brian Hughes – One 2 One

Un chitarrista contemporaneo come Brian Hughes è tra i pochi che può vantarsi di possedere una cifra stilistica davvero originale. Egli fa della sua peculiare ed al tempo stesso magnifica incapacità di esprimersi in uno stile univoco un vero punto di forza. Probabilmente questo suo tratto caratteristico si può far risalire al periodo della sua giovinezza durante il quale lavorò in un negozio di dischi di Edmonton, in Canada. Il giovane Brian cominciò molto presto ad immaginare il suo futuro di chitarrista ascoltando una grande varietà di generi e di artisti. Come spesso avviene con i ragazzi, il canadese iniziò ascoltando principalmente il rock ed il blues, copiando i riff di Eric Clapton e di Jimi Hendrix. Ma molto presto virò verso il mondo del jazz, cercando fin da subito di emulare i suoi eroi musicali Wes Montgomery, Grant Green, George Benson e Pat Metheny. Le influenze di questi giganti della chitarra elettrica sono evidenti in tutti i suoi dischi, a partire dal primo Between Dusk and Dreaming del 1990. Col passare del tempo Hughes è diventato un vero pilastro dello smooth jazz, affinando sempre di più la sua maestria tecnica e le sue indubbie doti di compositore. Il suo nuovo album One 2 One (pubblicato dall’etichetta Higher Octave) rappresenta senza dubbio la summa del suo percorso di chitarrista. Un percorso che non è solo di crescita artistica ma è anche una solida base sulla quale sviluppare il suo eccellente lavoro di ricerca. Di fatto non è difficile riscontrare come tutti gli album di Hughes inseguano l’idea di una continua fusione di generi, così come quella di una affascinante commistione di stili. Ecco dunque che anche in One 2 One, Brian Hughes porta avanti questo irresistibile anelito di diversità culturale, spesso anche, coraggiosamente, all'interno di uno stesso brano. Bastano poche note per capire che "One 2 One" è un meraviglioso disco contemporaneo di chitarra jazz. Niente fronzoli, solo melodie accattivanti da ascoltare e godersi in tutta tranquillità. Un album che possiede quel suono classico pervaso di groove dall’incedere rilassato che si ascolta volentieri e senza stancarsi mai. Brian Hughes infonde nelle sue linee melodiche quel tipo di stile morbido e virtuoso così familiare agli appassionati di jazz contemporaneo. Ma ciò che realmente rende questo chitarrista così piacevolmente unico è il modo creativo con il quale Hughes valorizza il suo linguaggio in contesti molto diversi. Questi elementi eterogenei, che spaziano dal latino agli arrangiamenti swing da jazz club, senza dimenticare il classico smooth jazz e gli echi del Pat Metheny Group, si fondono armoniosamente con l'elegante tecnica del chitarrista, conferendo a ogni brano un sapore distintivo. Ad affiancare Brian in questo album di raffinate melodie ci sono Mark Kelso, Les Portelli e Collin Barrat, che costituiscono il fulcro di una sezione ritmica molto coesa ed efficace. Una sezione fiati e delle percussioni di alto livello aggiungono ulteriore pienezza a questa ricca atmosfera dai colori a tratti quasi vintage. Il groove dell'organo Hammond è un elemento non molto sfruttato nel jazz moderno, ma Hughes reintroduce con grande efficacia questo strumento un pò dimenticato nel brano d'apertura "Stringbean” dove il richiamo al George Benson degli esordi è più di una suggestione. In "Postcard From Brazil", Hughes viaggia con la sua chitarra per tutto il Sud America. Spesso improvvisa allontanandosi dalla melodia principale su un vivace ritmo samba, per poi staccarsi bruscamente e sfoggiare un dirompente ritornello latino. Il tutto supportato da un duetto tra il pianista Les Portelli e il percussionista Dafnis Prieto Rodriguez. Hughes evoca poi tre stili musicali contrastanti in "Oh Yeah!", un brano in cui una sezione fiati soul a cinque elementi (pensate a James Brown) si intreccia con dense percussioni salsa, su una base di di organo blues, a cui Portelli aggiunge una vivace improvvisazione al pianoforte. Anche "Nothing in this World" è pervasa da un'atmosfera latin-blues-soul ricca di fiati. Mentre la title track, rilassata, estiva e non particolarmente esotica, dimostra che Hughes sa trovare un felice equilibrio tra lo smooth jazz convenzionale e la sua voglia di evadere dagli schemi. Il brano più particolare e più bello del disco, "While the World Slowly Turns", è un intrigante escursione in territori più crepuscolari e suggestivi. Un pezzo che di fatto infrange tutte le regole della musica adatta alla programmazione radiofonica, concentrandosi su uno stile che ricorda alcuni dei lavori più accessibili di Pat Metheny. Per otto minuti, su un ritmo in 5/4, dispensa magnifiche atmosfere spaziali e una melodia fluida, con un brillante assolo di pianoforte di Portelli che non può non ricordare il compianto Lyle Mays. Lo strepitoso assolo del chitarrista, insieme alle sonorità oscure e a tratti inquietanti, lo colloca sul piedistallo più alto dell’intero album. In una battuta è quasi “uno dei migliori brani che Metheny non ha mai scritto”. Il giudizio complessivo su One 2 One è molto positivo. Si tratta sicuramente di uno dei dischi più interessanti e piacevoli che abbia ascoltato negli ultimi tempi. Con semplicità, senza clamore, ma con grande tecnica, molto buon gusto e un pizzico di originalità Brian Hughes ci regala una valida alternativa al piatto e stereotipato panorama del contemporary jazz odierno.

Max Beesley’s High Vibes - Zeus

Chi è Maxton (Max) Beesley ? Probabilmente è un volto più noto per la sua carriera di attore che per quella di musicista. Max è infatti apparso in numerose serie tv ed anche in alcuni film, in particolare con la regia di Guy Ritchie. Tuttavia oltre al suo lavoro come attore, Beesley è anche e forse soprattutto un fior di musicista, virtuoso in particolare del vibrafono e non solo. Egli è senza dubbio uno degli artisti e polistrumentisti più talentuosi del panorama internazionale. Noto per la sua versatilità, Max ha dato, negli anni, un contributo significativo alla corrente musicale dell’acid jazz e le sue impressionanti credenziali parlano da sole. Ha collaborato con artisti del calibro di Stevie Wonder, Chaka Khan, Maceo Parker, Earth Wind & Fire, Red Rodney, George Benson, Bobby Shew, Maynard Ferguson, James Brown, Incognito, The Brand New Heavies, Jamiroquai e molti altri. Le sue composizioni sono fortemente influenzate dal funk, dal soul e dalla dance. Il suo progetto High Vibes è permeato di una vibrante energia musicale, in puro stile acid jazz. Può vantare inoltre una produzione di qualità eccelsa, con una band composta da Steve Gadd alla batteria, Walt Fowler alla tromba e al flicorno, Dean Parks alla chitarra e Luis Conte alle percussioni, oltre ad un tastierista come il bravissimo Christian Sands, il cui contributo arricchisce notevolmente il gruppo. La formazione è completata dagli Horn House, con Nichol Thomson al trombone più Tom Walsh e Mike Davis alla tromba in alcuni brani. Questi musicisti sono tra i preferiti di Max, e tra l’altro Nichol e Max hanno curato anche gli arrangiamenti di tutte le parti di ottoni, ottenendo un risultato davvero elettrizzante. Va sottolineato che questi sono alcuni dei migliori session man del pianeta, un'ottima base sulla quale lavorare. La prova di tutto questo talento è nei fatti, con un album come questo scintillante “Zeus”. Il suo primo e, almeno per quanto mi riguarda, attesissimo disco completo dopo anni di carriera ed un paio di EP. "Zeus" è quindi il debutto ufficiale del gruppo di Max Beesley, gli High Vibes. Come detto, la band aveva precedentemente pubblicato solo due classici in formato 12 pollici per l'etichetta Boogie Back Records, durante il periodo di massimo splendore dell'Acid Jazz, tra il 1993 e il 1994. Fin dall'inizio la dichiarazione d'intenti è chiara: "Zeus" è pura e semplice beatitudine Jazz Funk, condita con un basso vivace, un Rhodes di pregio, un vibrafono incandescente ovviamente suonato dallo stesso Max, sulla base di un solido ed irresisitibile groove. Gli High Vibes sono una deliziosa fusione di jazz, funk, soul e sonorità contemporanee. Le loro composizioni presentano spesso melodie accattivanti, ritmi intricati e armonie ricche che creano un'esperienza d'ascolto davvero coinvolgente. Lo stile musicale di Max è eclettico e innovativo, mescolando diversi generi per creare il suo suono unico. L’album è straordinario, radioso, vibrante ed emozionante. Aggiungerei che tentare di classificare il funk inglese e quello americano nella stessa categoria potrebbe risultare probabilmente inutile, nonostante le evidenti connessioni. Ancora una volta, la corrente britannica trova una sua originale peculiarità negli arrangiamenti, a patto che si riesca a percepirla. Gli High Vibes hanno infatti una propria identità ben definita, e questo album saprà sicuramente conquistare sia gli appassionati di funk che quelli di jazz. Non solo il gruppo è un concentrato di grandi talenti, ma l'album si distingue anche per le sue ispirazioni e la sua creatività. Quello che viene definito acid jazz era ed è una musica stimolante ed energica, pensata per ballare, con un grande potenziale di coinvolgimento per l'ascoltatore. In ogni caso resta il fatto che Zeus è un vero spasso, con una dimensione orchestrale sempre a disposizione di Beesley. Lui, in veste di compositore, arrangiatore e solista, è capace di esprimersi con naturalezza e fluidità in brani come "Juice", ad esempio, senza mai soffocare gli assoli di chitarra di Dean Parks o di flicorno a firma di un grande Walt Fowler. Spiccano senza dubbio pezzi memorabili come "Saturn's Dust", con gli assoli di Beesley al vibrafono e Christian Sands alle tastiere, ancora una volta capaci di esprimersi in libertà, ma senza eccessi. Il groove è l'elemento chiave di questa musica, alimentato dai vari solisti e da una sezione ritmica più che gagliarda, Ciò è evidente ad esempio in "Sergio's Bag", che più che una melodia è un motivo ritmico su cui Beesley fa confluire i diversi componenti della band in un crescendo di intensità travolgente. Un’energia che spinge Max stesso a staccarsi dal gruppo alla maniera di Roy Ayers, uno dei suoi punti di riferimento artistici. Il funk è probabilmente lo stile musicale più vicino al jazz, e questo album si colloca proprio a cavallo tra i due generi. Inutile dire che è il tutto è condito da una abbondante dose di puro buon gusto e una grande classe. Senza ombra di dubbio in Zeus ci sono semplicemente dei brani fantastici, tanto da farmi sbilanciare verso un giudizio veramente positivo. Di lavori come questo ce ne vorrebbero molti di più. In una parola: brillante.

Mark Sherman – Bop Contest

Chiunque conosca almeno un poco il jazz, sa che il bebop non è certo una novità. È di fatto l’idioma musicale più iconico del jazz da circa otto decenni: uno stile che ha fatto irruzione nella New York del dopoguerra grazie al genio di Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell e Max Roach. Per le generazioni di musicisti che lo hanno seguito, il bebop è stato al tempo stesso un banco di prova e un rifugio, un modo per dimostrare la propria padronanza tecnica ma anche per rendere omaggio agli architetti del jazz moderno. Il vibrafonista Mark Sherman conosce a fondo questa storia, non certo per averne vissuto l’epopea, ma di sicuro per averne assorbito tecnica e sensibilità. Lui oltre che un vibrafonista jazz, è anche pianista, batterista, produttore, arrangiatore, autore e addirittura percussionista classico. Sherman si è infatti esibito con alcuni dei più importanti direttori d'orchestra del mondo, tra cui Leonard Bernstein, Georg Solti, Zubin Mehta e Herbert Von Karajan. Al contempo, nel jazz, si è distinto come leader e come sideman con artisti del calibro di Kenny Barron, Peggy Lee, Wynton Marsalis, Joe Lovano, Michael Brecker, Larry Coryell e molti altri. Ha lavorato nel contesto degli spettacoli di Broadway ed è stato uno dei musicisti di studio più richiesti, partecipando ad oltre venti colonne sonore di film e musical, tra cui Il Re Leone. Ha collaborato infine come session man con artisti pop come Michael Bolton, Natalie Cole e Michael McDonald. Con "Bop Contest", il suo ventiduesimo album da leader, Sherman si immerge senza remore nelle cadenze familiari del bebop. Il disco non è rivoluzionario, né pretende di esserlo. Offre piuttosto qualcos'altro: la rassicurante certezza di un gruppo di musicisti esperti che ritornano ad un repertorio in grado di conservare ancora una forte carica emotiva sia per gli esecutori che per gli ascoltatori. Fin dalla prima traccia, questa musica richiama un'epoca d'oro, indubbiamente più interessata alla continuità che alla novità. Sherman stesso si è dimostrato un musicista prolifico e versatile. Formatosi come batterista, si è affermato come pianista grazie a una serie di registrazioni negli anni 2000. Ma poi è tornato al suo primo amore, il vibrafono, uno strumento che, nelle mani sbagliate, rischia di suonare come una reliquia dei jazz club di metà secolo. La sua decisione di concentrarsi nuovamente sul vibrafono è al contempo nostalgica e ambiziosa, un tentativo di riappropriarsi di uno spazio in un campo che è diventato più audace grazie a musicisti come Sasha Berliner, Joel Ross e Stefon Harris. Questo contesto è importante, perché la musica per vibrafono nel 2025 non suona più come suonava anche solo dieci anni fa. Sasha Berliner, in particolare, ha ridefinito le possibilità dello strumento, spingendosi oltre i suoi toni freddi e cristallini, verso sonorità più in linea con l'improvvisazione e la sperimentazione contemporanee. Al contrario, l'approccio di Sherman appare decisamente classico. Il suo suono è pulito, preciso, tecnicamente impeccabile, ma a tratti quasi troppo rispettoso della tradizione per sorprendere. Per gli ascoltatori in cerca di novità sconvolgenti, Bop Contest potrebbe non risultare del tutto convincente. Eppure, per altri, proprio nel suo conservatorismo risiede la sua forza: un promemoria del perché il bebop sia ancora importante. I musicisti qui riuniti sono di prim'ordine. Il pianista Donald Vega dona eleganza a ogni frase; il batterista Carl Allen è preciso e impeccabile; il trombettista ospite Joe Magnarelli apporta calore e lirismo. E poi c'è il fuoriclasse Ron Carter, una figura la cui presenza altera l'intera dinamica della registrazione. Il contrabbasso di Carter non è semplicemente un altro strumento nel mix; è quasi la voce stessa della storia. Con oltre 2.000 sessioni all'attivo, Carter rimane il bassista più registrato nella storia del jazz. Ascoltarlo qui, a 88 anni, significa ricordare cosa significhino resistenza e maestria al servizio dell’arte. Le sue linee ancorano l'ensemble con grazia e autorevolezza, plasmando il disco in modi sottili ma decisivi. In effetti, dopo ripetuti ascolti, sono proprio i contributi di Carter a rimanere impressi più a lungo. Il suo modo di suonare ha una sorta di peso narrativo: un richiamo al Miles Davis Quintet degli anni '60, al suo lavoro con Herbie Hancock, Wayne Shorter, Freddie Hubbard e innumerevoli altri. Carter è diventato più di un musicista, è un simbolo della continuità del jazz, un raro artista che incarna sia il passato che il presente. La sua sola presenza è sufficiente a rendere il Bop Contest un evento imprescindibile per gli appassionati. Il repertorio riflette il profondo rispetto di Sherman per la tradizione. Il poco conosciuto 111-44 di Oliver Nelson, ascoltato per la prima volta nell'album Straight Ahead del 1961, viene riproposto in una versione brillante e precisa. Due composizioni di Cedar Walton, Bremond's Blues (1987) e Martha's Prize (1996), vengono qui riportate in auge, collegando Sherman direttamente a un grandissimo pianista-compositore il cui lavoro è stato spesso messo in ombra dai suoi contemporanei. Sherman si assume un rischio anche con My One and Only Love, trasformandola da una tenera ballata in una bossa nova leggermente fluttuante, una scelta che risulta al tempo stesso fresca e rispettosa. Il brano conclusivo, un duetto con sovraincisioni dello stesso Sherman su Skylark di Hoagy Carmichael, rappresenta il momento più personale dell'album, un promemoria della sua versatilità multi-strumentale e della sua volontà di rompere con il formato d'insieme per qualcosa di più intimo. Anche il titolo dell'album ha un tocco di ironia culturale. Bop Contest è tratto da un episodio degli anni '50 di The Honeymooners di Jackie Gleason, una serie televisiva amata sia da Sherman che da Magnarelli. In quell'episodio, Ralph Kramden rimprovera la moglie Alice per voler rivivere la loro giovinezza pattinando e partecipando a gare di ballo. Per Sherman, il riferimento funziona su due livelli: un ammiccamento al suo collaboratore e una metafora appropriata per il suo primo tentativo di comporre in un linguaggio bebop rigoroso. Ciò suggerisce che, persino nella riverenza, l’artista trova spazio per l'umorismo. Tuttavia, l'album non è privo di limiti. Chi ha seguito le nuove direzioni del vibrafono jazz, la sua tavolozza armonica ampliata, la sua integrazione in sonorità elettroniche e atmosfere post-bop, potrebbe trovare il modo di suonare di Sherman quasi troppo tradizionale. C'è ben poco di innovativo o che sconvolga le aspettative. Ma forse è proprio questo il punto di forza di questo album. Bop Contest non è un esperimento d'avanguardia né un manifesto del jazz moderno. È, volutamente, un raduno di maestri in una stanza, intenti a fare ciò che sanno fare meglio. L'album cambierà la direzione del jazz? Certamente no. Ma giudicarlo in questi termini significa non coglierne il fascino più profondo. Bop Contest offre qualcosa di più sottile: la rassicurazione che la tradizione bebop rimane viva, non solo nelle note suonate, ma anche nei rapporti tra i musicisti che l'hanno portata avanti per decenni. E soprattutto nelle mani di Ron Carter, quella tradizione diventa più di una semplice nostalgia: si trasforma in un suono fresco e pulsante, vitale oggi come lo era nel 1950. Sono sicuro che per molti appassionati, questo è sufficiente, ed in ogni caso un album come Bop Contest vale assolutamente almeno un ascolto.

Aaron Parks – By All Means

Il lavoro in campo jazzistico del giovane pianista e compositore Aaron Parks è da tempo riconosciuto per il suo lirismo, la sua inventiva e il suo equilibrio tra modernità e tradizione. Formatosi alla prestigiosa Manhattan School of Music, dove ebbe modo di studiare, tra gli altri, con Kenny Barron, in seguito conobbe Terence Blanchard. Con il grande trombettista iniziò giovanissimo una proficua collaborazione che diede vita a tre album. Nel 1999 Parks realizza il suo primo disco da leader, The Promise, pubblicato dalla Keynote Records, a cui seguiranno altri tre dischi nei successivi tre anni con la stessa etichetta. Nel 2008, Invisible Cinema rappresentò invece il suo debutto da leader con la storica etichetta Blue Note. Realizzò i successivi album con la ECM Records e con la Ropeadope. Il suo ultimo lavoro si intitola "By All Means", ed è composto da sette brani originali, alcuni di nuova composizione, altri invece composti in passato ma qui rivisitati. Parks si è riunito con i compagni del suo trio "Find the Way" (pubblicato su ECM nel 2017) ovvero il bassista Ben Street e il batterista Billy Hart. Parks ha però deciso di ampliare la formazione in un quartetto multigenerazionale, complice l'aggiunta dell'emergente sassofonista Ben Solomon, ex membro della band di Wallace Roney. Questo By All Means propende per l'introspezione, ed inizia con la ballata "A Way", armonicamente molto sofisticata ed intrigante. Le pennellate esperte alla batteria di un sempre grande Billy Hart, unite al valido lavoro di Ben Street fanno da sfondo perfetto per le texture pianistiche di Parks, che sembrano quasi scolpite riuscendo a creare un'atmosfera intima e sospesa. Il riferimento a Keith Jarrett viene spesso in mente ascoltando questo album, in particolare quando il timbro morbido del sassofono di Solomon scivola sul tessuto ritmico del trio con una sorprendente gamma emotiva. "Park's Lope" suona come una sorta di autoritratto e si snoda con una interessante eleganza post-bop: inizia con un seducente impulso che si attenua in una cadenza ritmata e leggermente propulsiva a supporto dei passionali assoli sia di Parks che di Solomon. Il fraseggio ed il senso armonico del pianista rivelano accenni a Herbie Nichols, Thelonious Monk e Kurt Rosenwinkel, ma Parks mantiene una propria riconoscibile identità. A differenza del suo progetto Little Big, che si orientava maggiormente verso atmosfere indie ed elettroniche, By All Means rimane molto più vicino alla tradizione jazz, esplorando la forma della canzone e la profondità dell'improvvisazione con un'attenzione più che apprezzabile. Due brani ispirati alla propria famiglia danno ulteriore slancio ad un mood emozionale: "For Maria José", dedicata alla moglie, si sviluppa come una ballata mid-tempo in 4/4 piena di grazia. "Little River", scritta invece per il figlio maggiore Lucas, prende forma come un maestoso brano in 3/4 con una melodia fluida e una progressione armonica dolcemente ariosa. L'assolo di Parks è espressivo e naturale, molto lirico e toccante. Il brano successivo "Anywhere Together", dove è Solomon ad essere protagonista, trabocca del calore spirituale di Coltrane e delle intense vibrazioni di Sonny Rollins. Composta quando Parks era ancora adolescente, riceve un trattamento rinvigorente dalla sezione ritmica, la cui vitalità swing è testimonianza di eleganza e maturità. La batteria di Hart, caratterizzata da abili accenti sui piatti e da un impeccabile senso dinamico, rimane il punto forte in tutto il brano e più in generale di tutto l’album. Il lavoro si conclude con la rilassata "Raincoat", è ispirata all'artista elettronico Baths, (pseudonimo di Will Wiesenfeld) ed è caratterizzata da un groove sensuale e leggermente latino, con Street e Hart che forniscono una base morbida e discreta sulla quale Aaron Parks può far librare le note del suo piano. By All Means è un album in grado di affascinare una platea piuttosto eterogenea e Parks è indubbiamente un pianista di grande talento e originalità. Questo quartetto può vantare inoltre un formidabile interplay dal quale scaturisce un jazz coinvolgente ed emotivamente carico di contenuti. Un disco intelligentemente moderno ma al contempo calato nella tradizione e che può dunque essere consigliato a tutti.

New York Electric Piano – Keys To The City Volumes 1 & 2

I New York Electric Piano sono un trio jazz nato nel 2003, tutto costruito attorno al suono del piano elettrico Fender Rhodes, suonato dal leader e pianista Pat Daugherty. La band è completata dal bassista Tim Givens e dal batterista Aaron Comess (Ex Spin Doctors): i tre si sono conosciuti sulla scena musicale newyorkese della fine degli anni '90, decidendo di unire i loro talenti per dare vita ad un progetto piuttosto originale. L’architettura musicale del trio non rappresenta certo una novità in ambito jazzistico, ma imperniare tutto sul sound del piano elettrico è di sicuro una scelta piuttosto inusuale. I New York Electric Piano hanno dunque iniziato la loro carriera come trio, rimanendo ancorati a questa formula per i loro primi tre album. Dal quarto album, King Mystery del 2008, la band si è allargata ad un settetto. Dopo un piccolo rimpasto, questo Keys To The City Volumes 1 & 2 ha visto un'ulteriore espansione, fino ad un ottetto con ospiti aggiunt,i estrinsecato in un doppio cd. Il tastierista, cantante e compositore Pat Daugherty è comunque ancora saldamente al timone di un gruppo che continua a dispensare un sound affascinante. Un'uscita con un doppio disco potrebbe essere considerata piuttosto avventata in un periodo di crisi discografica come quello attuale, ma evidentemente la band aveva molto nuovo materiale a cui attingere. Il primo disco è ricco di brani che sfruttano appieno le vocalist della band, mentre il secondo è interamente strumentale. In entrambi i dischi, la band è compatta e swingante, con la sezione ritmica del batterista Aaron Comess e del bassista Tim Givens costantemente sul pezzo, a creare una base eccellente per consentire ai membri del gruppo di dare il meglio. Una curiosità è anche l’utilizzo di una inedita tastiera MIDI, sviluppata da Leon Gruenbaum, chiamata Samchillian, che aggiunge alla musica un tocco originale e futuristico. I brani del secondo disco sono piuttosto imprevedibili, di certo originali, con cambi di ritmo e un mood in costante fermento. "Instrumental Health" è impostata in un semplice4/4, di estrazione rock, con un interessante riff del sassofonista Erik Lawrence. Segue "Tears of a Skyscraper", una deliziosa ballata molto fluida. "Area 6 7 8" è un brano che passa con disinvoltura dal funk al prog con un tocco di free jazz. Sebbene il volume 2 sia solido e godibile, è il primo CD, quello in cui la band è affiancata dalle cantanti Deanna Kirk e Ava Farber, a contenere la musica più creativa ed intrigante di Keys To The City. La voce di entrambe le vocalist sa essere sinuosa, sexy, funky e a tratti morbida e suadente. Lo stesso Pat Daugherty offre uno stile vocale diverso dal solito: rappando spesso piuttosto che cantando, offre un efficace contrasto rispetto alle due cantanti ed aggiunge un tocco di ironia alla sua interpretazione, con la sua voce particolarmente raffinata. "Very Nice" fonde i suoi testi eccentrici con un'atmosfera R&B stile anni '80, mentre "Temple Dog" è aggraziata ma trascinante. L'atmosfera old-school prosegue con "Scrapple for the Apple", con i suoi richiami al soul degli anni '70 che riportano a band come Sly and the Family Stone. Stephen Perkins, dei Jane's Addiction, si unisce alla cantante Jennifer Conley e al flautista (ed ex membro dei NYEP) Till Behler in "In This Land". Questo è uno dei brani più ambiziosi di Keys To The City Volumes 1 e 2: ampio nella sua portata lirica e strumentale, è quasi un mini affresco contemporaneo. In effetti, i New York Electric Piano sono una band che sembra intenzionata ad ampliare i suoi orizzonti e così anche la sua visione per il futuro. Un gruppo che ha il talento e la creatività per essere all'altezza delle sue stesse, notevoli, ambizioni.

Groovology – Almost Home

I Groovology sono un quartetto jazz con base a Honululu, Hawaii, attivo già da tempo. che però arriva al debutto solamente in questa seconda parte del 2025: lo fa con un album intitolato Almost Home. Si tratta di una band che, se da un lato si può definire tradizionale, dall'altro appare insolita, in quanto il leader Aaron Aranita suona il sax tenore, il flauto e il clarinetto basso ma anche in prima persona il pianoforte e le tastiere. Gli altri membri del gruppo sono David Yamasaki (chitarra), Ernie Provenchar (basso) e Scott Shafer (batteria). Aranita è peraltro il proprietario dell'etichetta Sugartown da oltre trent'anni e ha pubblicato a suo nome almeno cinque dischi che spaziano dalle piccole formazioni alle big band. I suoi compagni d’avventura sono musicisti versatili, con dei curriculum che includono importanti collaborazioni con artisti jazz e rock. Il bassista Provenchar, ad esempio, si è esibito in vari contesti e stili quali la musica classica, il jazz, il salsa e perfino la musica mediorientale e balcanica. Ognuno di loro compone, contribuendo così al riuscito mix degli undici brani contenuti in Almost Home. L'unica cover presente nell’album, "Manoa", è stata scritta da Alberto Bessera con i testi di Carlinhos de Olivera e vede la partecipazione della cantante Sandra Tauklyama. La malinconica traccia che dà il titolo all'album, si apre con il leader Aranita al sax tenore e un pianoforte usato prevalentemente come accompagnamento. Il suo toccante assolo impreziosisce la melodia, così come quello del chitarrista Yamasaki, che suona delle linee scorrevoli e liquide. "Mambowski" è un groove di mambo, come suggerisce il titolo, la cui componente latina è in primo piano. E’ abilmente pilotato dall’efficace lavoro della batteria, mentre Aranita insinua il suo flauto nel brano fluttuando al di sopra dell’accompagnamento. A tratti i ritmi si fanno complessi dietro le improvvisazioni chitarristiche di Yamasaki e le impressionanti linee di basso di Provenchar. Il chitarrista ha scritto personalmente "Groovology", dando al gruppo l'opportunità di mostrare il suo lato più funky, mentre Aranita si propone al sempre poco sfruttato clarinetto basso, suonando sia all'unisono che in assolo. Yamasaki si fa paladino della melodia, mentre bassista e batterista si alternano in momenti altrettanto significativi. "Bubbles The Clown" di Shafer vede Aranita esibirsi al sax tenore con un trasporto carico di sentimento in un brano brillante virato in un piacevole mid-tempo: il sassofonista dialoga efficacemente con il chitarrista e compositore. "The Path" è nuovamente una creatura di Yamasaki nella quale il chitarrista brilla in modo particolare, esprimendosi con un tono sognante ed etereo prima di lanciarsi nel suo lirico assolo con Aranita questa volta a supporto attraverso l’accompagnamento raffinato del suo pianoforte. Il quartetto emerge quindi prepotentemente esplodendo sul successivo brano "Bries Tropical". "The Road Less Traveled" suona quasi contemplativo e si sviluppa piacevolmente attraverso un dolce sax tenore che cresce di intensità con l'evolversi del brano. Il secondo brano di Shafer, "Headroom", è invece declinato con una apprezzabile vena blues, ed è un ottimo veicolo sia per Yamasaki alla chitarra che per Aranita al tenore. "Manoa" è il brano vocale menzionato in precedenza, un cambio di atmosfera che si indirizza verso la bossa nova, con la cantante Sanda Tauklyam che vocalizza con sensualità. L'unica composizione di Provenchar, "Skybone", inizia molto lentamente con il sax tenore, ma alla fine vede il quartetto passare ad un groove maggiormente swingante. Il nome della band può suggerire un approccio piuttosto generico e non troppo originale, ma non bisogna farsi influenzare, perchè l'album risulta riuscito grazie alla varietà del materiale che spazia con successo dal blues alla musica latina, da quella brasiliana a quella più contemporanea, senza dimenticare il buon vecchio jazz mainstream. Il quartetto condisce tutto con una eccellente abilità tecnica e una eccellente perizia sia sotto l’aspetto del pathos che per quanto concerne la capacità compositiva. In ultima analisi i Groovology sono una nuova proposta, fresca ed interessante, nel panorama del jazz contemporaneo e meritano un ascolto.

Jazz Funk Soul - Simpatico

Il supergruppo di jazz contemporaneo Jazz Funk Soul è, come è noto, una creatura musicale del tastierista Jeff Lorber, del chitarrista Chuck Loeb e del sassofonista Everette Harp. Il gruppo ha pubblicato due album, il debutto omonimo (2014) e il secondo lavoro More Serious Business (2016). Dopo la prematura scomparsa di Chuck Loeb, il gruppo si è riitrovato, con l'aggiunta del chitarrista Paul Jackson Jr., ancora oggi membro della formazione. Così sono nati in seguito Life And Times (2019) e Forecast (2022). Il loro progetto più recente è Simpatico (2025), album che scopriamo oggi. Tutti le pubblicazioni sono state realizzate sotto l'egida dell'etichetta Shanachie Entertainment, ormai la casa discografica più importante per quanto concerne il contemporary jazz. Come si può vedere dai crediti dell’album, sono numerosi i musicisti che sono nuovamente coinvolti nelle registrazioni, cosa che arricchisce e non poco il già formidabile lavoro del trio. Il termine "Simpatico" in italiano come in spagnolo non ha bisogno di spiegazioni ulteriori. E’ un titolo scelto per enfatizzare lo stato d'animo che anima i membri del gruppo, la loro simbiosi e la loro amicizia. Il contesto musicale è quello già conosciuto precedentemente, ovvero il jazz contemporaneo con una fortissima connotazione funk ed echi di fusion che riportano agli anni '80. Il primo brano spesso contribuisce in modo determinante a definire l'atmosfera generale di un disco e la band, non a caso, ha assemblato una potente sezione fiati nell’iniziale Get Up With JFS, con il sassofonista Everette Harp che si occupa in prima persona dell'arrangiamento. Gli ottoni sono ampiamente supportati dai meravigliosi riff di chitarra di Paul Jackson e dagli immancabili fuochi d'artificio prodotti dalle tastiere di Jeff Lorber. A parte il titolo, Rue de Seine ha poco a che fare con l'atmosfera parigina. Il brano prosegue l'atmosfera del pezzo di apertura ed ha ovviamente la stessa energia. L'animata Janyce testimonia l'eccellente esecuzione d'insieme del trio, che mette in mostra il magistrale controllo degli strumenti suonati con una strepitosa naturalezza e facilità. Con Rekindle, il gruppo si immerge nelle atmosfere fusion tanto care al grande Jeff Lorber e lancia un chiaro segnale sul fatto che almeno per questi musicisti, la fusion non è morta. Something Old Something Borrowed Something Blue è una canzone piuttosto popolare, suonata spesso in varie occasioni particolari come ad esempio i matrimoni. Harp spiega che il riferimento a "old" nel titolo, in questo caso testimonia di un ritorno al classico stile di George Duke, mentre "borrowed" si riferisce ai cambi di accordi presi in prestito dalla sua stessa composizione "All Jazzed Up" mentre "blue" richiama all'onnipresente forza del Blues, fondamento del Jazz. Con Throwback, Paul Jackson celebra gli anni '80 con la loro geniale originalità. E ancora nella traccia che dà il titolo all'album, Simpatico, il trio brilla nuovamente con la sua maestria strumentale e un'ineffabile sensibilità per la ricerca della melodia giusta. Gli assoli di Jeff Lorber sono una vera delizia, mentre sfreccia sui tasti con una destrezza mozzafiato. La spiccata propensione per la velocità è anche un elemento caratterizzante di Dreaming My Life Away. Forse ci si potrebbe aspettare qualcosa di più elegiaco da un titolo come questo, ma non è così. Ramblin' è di nuovo opera di Everette Harp , cosa che si nota nell'orientamento del brano, fortemente incentrato sugli strumenti a fiato. Everette si posiziona in primo piano con il sassofono. Il numero finale è il primo singolo tratto da Simpatico, intitolato Over Easy, che ribadisce e combina i punti di forza della formazione: un'esecuzione dinamica, un ritmo coinvolgente e un virtuosismo eccellente in ogni ambito. Jazz Funk Soul è un brillante esempio della propensione di Lorber per la jazz fusion, arricchita con successo da due fenomeni come Paul Jackson Jr. ed Everette Harp. Gli amanti dello stile moderno, del jazz contaminato dal funk, troveranno Simpatico una proposta interessante per la loro collezione, tuttavia questo è un album godibile ed apprezzabile per una vasta e variegata platea di ascoltatori.

Tristan – Frou-Frou

Per chi dice che i tempi delle grandi band R&B sono ormai alle spalle, oggi vorrei confutare questa tesi parlandovi dei Tristan. Il gruppo olandese ci ha stupito con un sound corposo e molto soul fin dagli albori della loro carriera, e dopo 25 anni continua ad elargire ottime vibrazioni. In passato ho già recensito un CD di questa band olandese soul & funk, ma ecco che è apparso il loro ottavo album in studio, intitolato Frou-Frou. Loro sono attivi dai primi anni 2000 e sono nati dall'incontro tra il batterista Sebastian Cornelissen e il bassista Frans Vollink. Presto si è unito a loro il tastierista Coen Molenaar e, con i loro concerti dal vivo e una serie di album, hanno rapidamente acquisito lo status di gruppo di culto nei Paesi Bassi. Sono loro stessi a descrivere questo lavoro così: "Frou-Frou, nel nostro caso, simboleggia l'eleganza nella nostra musica, con la sua raffinata combinazione di creatività e dedizione. Dopotutto, ci sentiamo più a nostro agio e più forti che mai come band. Abbiamo fatto del nostro meglio per impegnarci ancora una volta e soprattutto per tornare a provare la gioia di scrivere e registrare nuovo materiale". Dunque questo accurato lavoro si riflette alla perfezione nel fantastico set di 12 canzoni, che mostra una band ormai nel suo periodo di piena maturità artistica. Per il nuovo progetto al "nucleo" dei Tristan, composto dal batterista Sebastiaan Cornelissen, dal bassista Frans Vollink e dal tastierista Coen Molenaar, si sono aggiunti il chitarrista Glenn Beck e la potente cantante Irma Derby. I brani di Frou Frou sono stati pensati non solo per un ascolto ottimale in casa, con il proprio impianto hi-fi o in cuffia, ma anche per adattarsi perfettamente ai concerti dal vivo del gruppo. E questa gustosa combinazione di R&B, jazz e funk sarà di sicuro un successo a 360 gradi. "Frou Frou", come detto vede l’ingresso del nuovo e interessante chitarrista Glenn Black, il quale in effetti riesce a regalare qualcosa in più. Il CD si apre con la groovy "Changes", seguita dal primo singolo "Call Me". Questo brano emana un'atmosfera acid jazz e mi ricorda gli Incognito. Il secondo singolo, "Will You Ever Stay", è una romantica ballata soul, seguita da "I Just Can't Stop", anch'essa in direzione acid jazz. Quando ho visto il titolo del brano "I'm Gonna Love You Just a Little Bit More", ho subito pensato al compianto Barry White, ma invece no, questo è un brano acustico originale, completamente diverso, in cui la cantante Irma Derby è assistita solo dal pianista Coen Molenaar e si distingue come un acquisto molto azzeccato per vocalità e versatilità. Con "Brand New Shoes" torniamo in pista, con riff di chitarra su un ritmo acid jazz. "Contuse Me" è un brano strumentale jazz, mentre "Northern Light" fluttua su un mid-tempo molto gradevole ed accattivante. Il blues fa capolino in "These Arms", mescolato a un tocco di soul. "Taste Of Honey" è, a mio parere, forse il brano meno azzeccato, ma la traccia che dà il titolo all'album, dedicata a Ruud e Dof, inizia con una vocalizzo in un'atmosfera jazz, dopodiché Coen Molenaar lascia libero corso al suo pianoforte. "Circumstances" è di nuovo acid jazz, dopodiché si conclude l'"outtake" di "Call Me". Ed anche questo è un duetto acustico tra la cantante Irma e il pianista Coen. In questo si può chiaramente sentire l'influenza di Randy Crawford sulla brava Irma. Nel complesso un bell'album, che i Tristan hanno presentato anche nel loro recente tour europeo. Se vi piacciono gli Incognito, l’acid jazz, il soul e l’R&B tutti coniugati in un piacevole mix, questo gruppo olandese potrebbe fare al caso vostro. Musica di classe, ben suonata, arrangiata con gusto ed equilibrio permeata da un’aura di positività che non guasta.

Eric Dolphy - Outward Bound

Questo album rappresenta il momento nel quale il notevole talento di Eric Dolphy trovò il suo vero punto di partenza. La rampa di lancio per una carriera folgorante e sfortunata. Outward Bound è il primo lavoro della sua discografia da solista. Sulla base di ciò che ho, con il tempo, assorbito e compreso da questa storica pubblicazione del 1960, posso senza dubbio affermare che questo musicista non poteva che diventare uno dei jazzisti più importanti ed iconici del quinquennio tra il 1960 e il 1964. E così fu, la storia del jazz lo ha ampiamente dimostrato. Da un certo punto di vista è possibile tracciare un parallelo tra Eric Dolphy e Ornette Coleman, per vie delle concezioni armoniche che sono simili per entrambe, ma, a mio parere il messaggio di Dolphy è più coerente ed il suo talento è financo maggiore. Tuttavia, in ultima analisi, l'artista deve essere giudicato in base al suo lavoro, sebbene confronti e contrasti giochino un ruolo importante nel plasmare qualsiasi opinione. Lo stile e la scrittura di Eric Dolphy vivono di una propria peculiare ed originalissima dimensione. E’ così che a volte lo si può ascoltare come se quasi ribollisse di ritmo, di fermento. Una musica quella di Dolphy che è piena di linee nette e al contempo sinuose che coinvolgono l'ascoltatore in un vortice espressivo impressionante. L'impatto concreto del suo lavoro sta nella sua sempre sorprendente esibizione di queste emozioni. E’ difficile categorizzare in modo preciso la sensibilità ed il feeling dell'opera di Dolphy: furia espressiva, impressionismo, creatività, originalità. Dei tre strumenti (sax alto, flauto e clarinetto basso) che usa in questa registrazione, e che spesso ha usato in carriera, il suo iconico clarinetto basso è il più intrigante. Difficile ascoltare un suono paragonabile a quello che questo gigante del jazz ottiene con questo strumento un po' dimenticato. Nel registro superiore, il suono si avvicina a quello di un sax contralto, ma questa descrizione non coglie forse il sapore della sua unicità. Nel registro inferiore, il sound non si discosta troppo dal timbro solitamente associato a questa ancia. Dolphy tuttavia produce un tono decisamente più tormentato di quello che si è abituati a sentire dal clarinetto basso. Va detto che, per quanto Dolphy sia in grado di interpretare magistralmente tutti e tre gli strumenti in modo originale e variato, c'è un filo diretto che li lega insieme: il potere di trasmettere emozioni dal musicista all'ascoltatore. Questo è in ultima analisi il segno distintivo di un vero artista. Il trombettista Freddie Hubbard, suo sodale in questa e altre registrazioni a venire, mostra un'abilità lirica e una fermezza che sono in contrasto con la sua relativa giovinezza. Il suo tono chiaro e l'eccellente fraseggio esaltano le sue idee musicali. Il suo assolo sul brano 245 suona malinconico, ma illuminato sia pure con improvvise impennate. On Green Dolphin Street lo trova in uno stato d'animo alla Miles Davis, tuttavia la somiglianza è solo superficiale poichè il lavoro di Hubbard è più sereno, forse meno cupo di quello di Davis. Il musicista che in questo album cattura meglio lo spirito di Dolphy è curiosamente il pianista Jaky Byard. Il suo modo di suonare è infatti ruvido come quello del leader, ma si ha la sensazione che il suo strumento gli impedisca di esprimersi al meglio. Dopotutto, ci sono cose che puoi fare con gli strumenti ad ancia che sono impossibili al pianoforte. Ad esempio, nel suo assolo sul brano G.W. suona un passaggio piuttosto dissonante in cui le voci si muovono in tutte le direzioni, come se stesse cercando di ottenere più del possibile dal suo pianoforte. George Tucker svolge con coerenza e abilità il suo ruolo di accompagnamento, ma non contento di tenere solo il tempo, dialoga con ogni solista sottolineando i fraseggi di ciascuno. E poi c’è Roy Haynes: uno dei migliori batteristi di sempre, e qui come in altre registrazioni, appare come la fonte da cui gli altri traggono la spinta per costruire i loro assoli, le loro armonie, le loro melodie. Straordinario, come è d’altra parte straordinario il costante pulsare della voce di Eric Dolphy. Sempre originale, innovativo, un passo avanti. Outward Bound è un album bellissimo, che ci apre una finestra sul mondo di uno dei più grandi musicisti che il jazz abbia conosciuto. Eric si impose subito come uno dei solisti più dotati sotto ogni punto di vista (armonico, ritmico, melodico e timbrico). Dolphy è stato uno dei musicisti di jazz più originali della storia. Mai scontato, mai superficiale e soprattutto molto originale. L’originalità è forse la caratteristica più importante per un musicista jazz e lui suonava in un modo inimitabile, che non aveva precedenti e che non ha avuto imitatori. Morì, a soli 36 anni, a Berlino, il 29 giugno 1964. Visse poco, troppo poco, ma lasciò all’umanità una straordinaria eredità artistica.

Pharoah Sanders – Moon Child

Pharoah ‘Farrell’ Sanders (nato nel 1940) è stato senza dubbio una figura di spicco nel mondo del jazz di cui è stato, fino al 2002, anno della sua scomparsa, una delle ultime leggende viventi: i suoi legami artistici con musicisti iconici come Sun Ra e John Coltrane ne testimoniano l’indiscusso valore. Il suo modo davvero originale ed unico di interpretare la tecnica del sassofono tenore gli ha fatto guadagnare uno status di alto livello sia tra gli stessi musicisti jazz, che tra i critici e gli appassionati. Tuttavia bisogna anche sottolineare che la sua fama non ha mai raggiunto le vette di popolarità dei grandi nomi della musica afroamericana. All’inizio della sua carriera Sanders era più che altro interessato alla musica blues, ma il suo insegnante di liceo lo indirizzò verso il jazz e questo ha portato Farrell in una direzione completamente nuova. Una volta completate le superiori, Sanders si trasferì ad Oakland, dove ebbe la possibilità di lavorare con musicisti di alto calibro, come i sassofonisti Sonny Simmons e Dewey Redman (che in seguito sarebbero diventati grandi forze nel nuovo jazz e del free jazz). Presto il giovane Pharoah avrebbe incontrato anche John Coltrane e si sarebbe sentito definitivamente attratto dalla vita da musicista professionista. All'inizio degli anni Sessanta Sanders si trasferì nuovamente, questa volta a New York, dove stava crescendo la scena jazz più importante di quegli anni. Qui trascorse la maggior parte del tempo ad affinare le sue abilità rifugiandosi alla corte del singolare pianista/tastierista Sun Ra, il quale gli attribuì il soprannome di Pharoah. Purtroppo non guadagnava molto con l’originalissima e particolare Arkestra di quest’ultimo, così presto si ritrovò a vivere per strada, cercando di stare sveglio tutta la notte a suonare per poi dover cercare soldi durante il giorno per poter sopravvivere. Sanders registrò il suo album di debutto per la ESP poco dopo, ma fu solo quando iniziò a suonare con il suo vecchio amico John Coltrane che scatenò completamente la furia del suo sassofono nel mondo del free jazz. I dischi su cui Pharoah Sanders suonò per Coltrane gettarono le basi di ciò che sarebbe venuto dopo sia nel nascente e iconoclastico free jazz, sia per egli stesso come musicista. Dopo la tragica morte di Coltrane, Sanders registrò anche con Alice Coltrane, la vedova di John, nell'album Karma, che è universalmente riconosciuto come il suo capolavoro. Insieme alla stessa Alice Coltrane ed al cantante Leon Thomas, Sanders contribuì a creare il genere dello spiritual jazz. A questo punto della sua carriera e nell'album che vi presento oggi (Moon Child, registrato nel 1989), Sanders si era disimpegnato da quel genere di stridente avanguardia su cui aveva inizialmente puntato la sua carriera. Qui Sanders suona con una formazione di tutto rispetto composta da Stafford James (Sun Ra) al basso, William Henderson (Roy Ayers) al piano ed Eddie Moore (Sonny Rollins) alla batteria. Moon Child, con la sua voce piacevolmente spaziale, ricorda i giorni di "The Creator Has a Master Plan" e questo stato d'animo maggiormente rilassato ed onirico è mantenuto per tutto l'album grazie anche alla scelta delle melodie in esso proposte. In questo lavoro il leggendario sassofonista si è chiaramente reinventato come un improvvisatore più tradizionale, capace di un sound ponderato e riflessivo. Ci sono voci quasi New Age che rimandano ad un’atmosfera mistica ed accattivante e curiosi riferimenti astrologici. Un album che suona intrigante e complessivamente piacevole, quasi sorprendente se paragonato ai suoi lavori più all’avanguardia. Pochi jazzisti possono eguagliare la sua padronanza del "groove", ma soprattutto egli si distingue per una originalità ed una personalità più uniche che rare. Moon Child è un fantastico album, contenente alcune sessioni di registrazione svoltesi in Francia del 1989. E’ un ottimo viatico per avvicinarsi ad un sassofonista il cui stile è conosciuto da sempre per i suoni violentissimi ed estremi, che però qui risultano notevolmente ammorbiditi. Inoltre è uno dei pochi in grado di padroneggiare la tecnica del cosiddetto "Sheets of Sound". Questa forma di espressione musicale, creata da John Coltrane, utilizza linee di improvvisazione estremamente dense ma strutturate, composte da arpeggi ad alta velocità e modelli di scale eseguiti in rapida successione: centinaia di note che vanno dal registro più basso a quello più alto. Sanders può non essere facilmente digeribile da alcuni ma rappresenta comunque uno dei più grandi specialisti del sax. il Faraone di Little Rock è riuscito come pochi a trovare un miracoloso punto di equilibrio e di fusione tra la spiritualità illuminata e il fervore religioso del maestro John Coltrane, il verbo afrofuturista di Sun Ra e la spinta globalista di Don Cherry. Un jazzista nel senso più profondo, antico e vero del termine; ma anche uno strumentista formidabile, un sassofonista che ha lasciato una traccia indelebile nella storia del suo strumento, approdando a una magistrale maturità dopo l'iconoclastia degli esordi.

Joe Baione – Vibe Check

Nella storia del jazz è nota agli appassionati una relativa rarità di specialisti del vibrafono. Questo resta uno dei misteri di questo genere musicale. Nonostante la bellezza naturale del suono dello strumento e la sua innegabile importanza storica ben testimoniata dalla bravura e dalla fama dei suoi più famosi esponenti, come Lionel Hampton, Milt Jackson e Bobby Hutcherson, sono relativamente pochi gli artisti che hanno scelto di eleggere il vibrafono come loro principale mezzo di espressione. Fortunatamente, un personaggio come Joe Baione ci dimostra che il retaggio dei grandi del passato è in ottime mani ed anche al giorno d’oggi è possibile godere del fascino indiscutibile del vibrafono. Il musicista di origine italiana ha appena pubblicato un nuovo album, intitolato Vibe Check, che presenta al meglio da un lato il sound del vibrafono e dall’altro propone un jazz vibrante e dinamico nel solco della tradizione. Alcuni dischi richiedono tempo per appassionare, mentre altri catturano fin dal primo ascolto. Vibe Check rientra senza dubbio in quest'ultima categoria. Joe è supportato da una eccellente band con Duane Eubanks alla tromba, Toru Dodo al piano, Marco Panascia al basso e Jerome Jennings alla batteria, insieme alla figlia di Baione, Alexis Baione, ospite in qualità di cantante. Vibe Check offre un mix unico di moderna creatività e fascino nostalgico, riuscendo a trovare un punto di equilibrio tra l’estetica degli anni Sessanta ed una fresca sensibilità contemporanea. Con questa sua uscita, Baione ha creato un album tanto vivace quanto coeso. Vibe Check si apre con "The Journey", che lancia l’ascolto con il suo swing allegro e il suo serrato lavoro d'insieme. La chimica tra i musicisti è evidente in tutto il lavoro, poiché ogni musicista ha il suo momento per brillare. Il vibrafono di Baione è in primo piano, il suo tocco è molto espressivo ed il fraseggio decisamente ricco d’inventiva. Ciò fornisce le basi per una palpitante conversazione musicale. Una traccia di spicco, "Come Close", introduce un groove ispirato al reggae con i testi scritti e cantati dalla figlia di Baione, Alexis. La sua interpretazione vocale e il ritmo irresistibile della canzone creano una traccia che appare fresca e nuova, pur adattandosi perfettamente alla struttura jazzistica dell'album. "Hot Mama" prende una piega diversa, portando con sé un ritmo latino che spinge al movimento ma non manca di destare attenzione. Il suo groove ballabile così come le improvvisazioni evidenziano la capacità di Baione di infondere il jazz tradizionale con un tocco contemporaneo. Tracce come "Lulu" mettono in mostra come l'energia swingante del bop sia nelle corde del musicista. "Lost Control" canalizza invece lo spirito di leggende del soul-jazz come Blue Mitchell e Horace Silver con il suo groove ispirato al boogaloo, forte di una bella melodia. Va detto che un album come Vibe Check delinea in qualche misura un quadro del percorso artistico e professionale di Joe Baione. Dopo 27 anni di carriera come direttore d’orchestra in una scuola pubblica, Baione si è dedicato completamente al suo sogno di produrre un album jazz di livello mondiale. La sua passione e dedizione traspaiono, non solo nel suo modo di suonare, ma anche nelle sue composizioni e nei bellissimi arrangiamenti. Molte delle tracce, tra cui "Lost Control", "Faith Is My Destiny" e "Quiet Ways", sono rivisitazioni di canzoni scritte dal padre di Baione più di 40 anni fa: questo aggiunge un tocco molto personale al disco. La band qui riunita è ugualmente di notevole spessore artistico. Eubanks porta calore e lirismo ai suoi assoli di tromba, mentre il lavoro al pianoforte di Dodo brilla per finezza ed energia. Panascia ancora il gruppo con le sue linee di basso sempre melodiche, e la batteria di Jennings sa essere sia propulsiva che delicata. Insieme, creano un suono innegabilmente moderno ma intriso di tradizioni jazz classiche. Con Vibe Check, Baione dimostra di essere non solo un maestro del vibrafonismo, ma anche un narratore, intrecciando storia personale, legame familiare e passione per il jazz in un album coerente ed accattivante. Sia che lo si giudichi per le sue melodie orecchiabili, sia che si valutino le performance virtuosistiche, o ancora per i nostalgici richiami al jazz di metà secolo, Vibe Check soddisfa tutti i requisiti e non mancherà di risultare molto apprezzato da un vasto pubblico di ascoltatori.

Bill O’Connell - Touch

Bill O'Connell è un pianista jazz, insegnante e bandleader. È principalmente associato al jazz latino e all'hard bop. Ha studiato pianoforte all'Oberlin Conservatory of Music, ma ha vissuto principalmente a New York o a Long Island. Insegna pianoforte jazz alla Mason Gross School for the Arts presso il campus New Brunswick della Rutgers University, nel New Jersey. Questo album segna il ritorno di Bill O'Connell al formato del trio jazz, il suo primo dopo l’album di debutto, intitolato Searching, della fine degli anni '70. Insieme ai suoi collaboratori di lunga data, il bassista Santi Debriano e il batterista Billy Hart, l'album presenta principalmente composizioni originali di O'Connell, insieme a pezzi notevoli come Maiden Voyage di Herbie Hancock, un contributo di Santi Debriano e selezioni di H. Ruby e B. Kalmar, così come J. Baker, G. Fragos e D. Gasparre. Lo stile compositivo di Bill O'Connell è abbagliante, caratterizzato da una notevole profondità ritmica e da un'estetica calda e passionale. Nonostante la natura intricata delle composizioni e degli arrangiamenti, l'album rimane notevolmente accessibile. In una città come New York, dove il jazz è sia una passione che una tradizione, O'Connell brilla come un vero "musicista dei musicisti". Rinomato per la sua brillantezza armonica, la chiarezza del suo fraseggio e le melodie evocative, suona con una intesità che incarna l'essenza stessa del titolo dell'album, Touch. Per i pianisti, "touch", tocco, si riferisce alla sfumatura e alla maestria con cui si disimpegnano con il loro strumento, una qualità che O'Connell infonde in ogni traccia con squisita finezza e limpidezza esecutiva. L'album evoca un'atmosfera semplice ma al contempo molto stimolante. Si è invitati a sedersi, ascoltare e lasciarsi incantare dall'armoniosa interazione del trio, la cui sinergia risuona gioiosamente in ogni nota. Questa musica vibrante, con la sua energia contagiosa, ci proietta mirabilmente dentro l’alchimia del classico trio jazz. La carriera di Bill O'Connell si snoda attraverso quattro decenni, a cominciare con l'ensemble di jazz latino di Mongo Santamaria nel 1977 fino a comprendere collaborazioni con leggende come Chet Baker, Sonny Rollins e Gato Barbieri. Anche il suo precedente album in studio, A Change is Gonna Come, è molto interessante ed è stato elogiato dalla critica: vuole essere una risposta musicale alle tensioni sociali dei nostri giorni. Con questo Touch, il suo diciassettesimo album da leader, O'Connell dimostra ancora una volta la sua versatilità, fondendo la padronanza tecnica con uno spirito esplorativo da innovatore, al contempo intimo e dinamico. Questo è senza dubbio uno dei migliori album per trio jazz che si può ascoltare al giorno d’oggi. In Touch, O'Connell crea un linguaggio molto personale, conseguenza di uno stile così distintivo da aver contribuito senza dubbio alla sua fama. Il disco offre alcuni omaggi agli artisti che Bill più ammira, in particolare nella sua interpretazione di Three Little Words. Qui è evidente la sua venerazione per il genio armonico di Thelonious Monk. Un artista che richiede tempo ed attenzione per essere apprezzato fino in fondo, ma che in ultimo rivela la sua grandezza. Allo stesso modo, ci vuole del tempo per apprezzare appieno la ricchezza di questo album. I suoi contenuti regalano una grande soddisfazione dall'inizio alla fine, guadagnandosi così un posto tra i lavori che si possono definire imperdibili e, nel contesto della musica odierna, financo essenziali.

Poogie Bell Band – Get On The Kit

Ebbi modo di ascoltare dal vivo Poogie Bell ad un concerto di Marcus Miller e rimasi incantato dalla sua tecnica e dalla sua energia. Un corpulento e talentuoso batterista capace di proporre ritmi complessi, swing e groove sofisticati, conditi da una tecnica sopraffina. Poogie Bell oltre che un batterista è un compositore, un arrangiatore e un produttore discografico. Ha suonato e registrato con Chaka Khan, Luther Vandross, Herbie Hancock, Marcus Miller, Stanley Clarke, Erykah Badu, John Scofield, David Sanborn, Joe Sample, Al Jarreau, e molti altri. Da tempo guida la Poogie Bell Band, il suo gruppo jazz fusion. Poogie è nato a Pittsburgh nel 1961 e lì ha trascorso i suoi primi anni. Figlio di Charles Bell che era un pianista jazz, si può dire che sia cresciuto con la musica nel sangue. Talento naturale e precocissimo fece il suo debutto in concerto suonando con suo padre alla Carnegie Hall di Pittsburgh quando non aveva ancora compiuto 5 anni. La famiglia di Poogie si trasferì a New York City, dove suo padre divenne professore di musica e continuò a esibirsi con il suo quartetto. A New York Poogie conobbe Max Roach e Ornette Coleman che qualche volta suonavano con suo padre nella loro casa. Il grande bassista Paul Chambers era un loro vicino. Con queste premesse, Poogie iniziò la sua carriera professionale suonando e collaborando con i migliori musicisti dell’epoca ed esplorando un ampio ventaglio di generi. Get On The Kit è il secondo album con la sua band, uscito nel lontano 2006. Un lavoro che fonde tocchi di moderno jazz con le atmosfere delle buone vecchie composizioni fusion in stile anni '70. Il tutto è sapientemente mescolato con un ottimo gusto improvvisativo, sul quale Poogie innesta accenni di R&B, Hip-Hop e Rock. Get On the Kit presenta non solo lo straordinario basso di Marcus Miller, la cui fama è ormai planetaria, ma anche un creativo lavoro di chitarra fusion di Juan Vasquez e la precisa ed intelligente mano di Howie Alexander alle tastiere. La sezione fiati è composta da maestri come Ian Gordon (tromba), Reggie Watkins (trombone) e Tony Campbell (sassofono contralto). Inutile sottolineare come la presenza di Marcus Miller sia di per sè un plus di inestimabile valore, ma va anche ribadito che la personalità di Poogie Bell sia ben delineata, così come il suo formidabile talento batteristico. Poogie è davvero uno dei migliori sulla piazza e probabilmente non gode di tutta la considerazione che invece meriterebbe. Le tracce tendono verso il funk e la fusion soprattutto in alcuni dei primi pezzi dell'album: lo si può sentire in brani come l'introduttiva "Hi There" per sola batteria e nella successiva e dinamica "Dark and Happy". "Jamestown" mette in mostra una brillante sezione di ottoni che aggiunge più peso alla già formidabile linea funk della canzone. La fusion e il jazz animate dal colore degli anni '70 e '80 sono comunque un’influenza evidente in tutto questo album. Un fattore che si può apprezzare dal modo in cui "Adolescence" utilizza i fiati di ispirazione classica in combinazione con il groove dettato dal basso elettrico ed il sound del clavinet. Ritmo e synth caratterizzano "Pay Attention!", mentre il basso è martellante in "Creepin'. "Funky Helmet" esibisce una energetica modernità basata sui sintetizzatori che creano una combinazione molto interessante, qualcosa in grado di ammaliare l'ascoltatore. Purtroppo le note di copertina non forniscono informazioni dettagliate sui musicisti coinvolti: è presente solo un lungo elenco di ospiti ma non c'è modo di sapere in quali tracce si esibiscano. Un piccolo inconveniente di fronte ad un grande risultato sonoro. La Poogie Bell Band offre un programma musicale perfettamente tagliato sulle esigenze di chi ama la batteria, la ritmica e più in generale un suono funk fusion praticamente perfetto. Come detto, Bell è un batterista strordinario, uno dei migliori attualmente in circolazione: creativo, vario, funambolico ma anche raffinato ed intelligente. Get On The Kit è un album da ascoltare ed apprezzare per la tecnica, per la musica e soprattutto per il suo irresistibile e contagioso groove.

Joel Weiskopf – The Search

Per il pianista Joel Weiskopf, nell’ormai lontano 1999, dopo i lunghi studi classici e alcune importanti esperienze in ambito jazzistico, giunse il momento di intraprendere il suo viaggio artistico come leader, con questo primo album intitolato The Search. Ad oggi l’artista ha pubblicato sei lavori, tutti di alto livello. Noto per essere il fratello minore del più affermato sassofonista tenore Walt Weiskopf, le esperienze di Joel nella musica includono nove anni di formazione in pianoforte classico, la laurea al New England Conservatory of Music e concerti con Teddy Kotick, George Garzone, Tim Hagans e Woody Herman. Tutto questo in aggiunta ai suoi apprezzati contributi al catalogo del fratello Walt sull’etichetta Criss Cross ed in più alcune tournè dal vivo per la stessa casa discografica. Ciò che colpisce immediatamente nello stile di Joel è il suo totale controllo dello strumento, la sua fluida creatività che trova voce senza sforzo, con naturalezza e spontaneità. A tratti sa essere denso ed incendiario come McCoy Tyner, ma in un attimo può diventare equilibrato e rilassato, scarno e melodico come un Errol Garner o un Ahmad Jamal. Varietà e originalità sono alla base di un indovinato programma di standard e originali che vengono sapientemente mixati in questo album d’esordio, sorprendentemente maturo. Weiskopf riesce infatti a riempire il suo portfolio di esecuzioni all’insegna della varietà senza trasformare il tutto in un incoerente guazzabuglio di musica. In fondo qui c’è tutto quello che si chiede ad un jazz che rappresenti al meglio il mainstream di oggi: swing, partecipazione emotiva, invenzione, coraggio, empatia. E nessun orpello, Joel va dritto al cuore della musica. Weiskopf è, insomma, un solista pieno e raffinato che sposa la sua connaturata eleganza ad una non trascurabile ricerca dell’imprevedibile. Una cosa che si riflette anche nel suo notevole lavoro autorale. "Edda" di Wayne Shorter fornisce il tipo di composizione che Weiskopf può fare sua con disarmante facilità. È anche abbastanza sicuro di sé da cimentarsi in un brano complesso come "Criss Cross" di Monk e lo fa in modo da mantenere intatto lo spirito del pezzo, lasciando tuttavia trasparire la sua identità poetica. La lunga title track The Search è un microcosmo di gusto e creatività, con l'interazione tra il solista ed il gruppo a rendere l'ascolto particolarmente seducente. In verità il bassista Peter Washington e il batterista Billy Drummond sono entrambi straordinari dall'inizio alla fine. La loro integrità musicale e la capacità di portare ispirazione sono un valore aggiunto che entrambi questi strumentisti di grande talento possono mettere al servizio di qualsiasi altro musicista con cui collaborino. Di certo come solista non si potrebbe desiderare di meglio di due formidabili specialisti come questi che spingono chiunque a dare il massimo. L’album presenta sia alcune ballate che brani ritmati, ma il trio riesce a gestire ottimamente anche il linguaggio più strettamente blues. Ciò è palesemente dimostrato in "Red's Blues". Non manca, in chiusura, una sorprendente lettura di Weiskopf di "My One and Only Love" in perfetta solitudine al pianoforte. E’ un debutto di grande spessore: ovviamente il pianoforte è dominante in The Search, ma va assolutamente sottolineato l’interplay prodigioso che il trio è in grado di spigionare. Joel Weiskopf dimostrò fin dall’inizio della sua carriera solistica che la sua sarebbe stata una voce importante nel panorama jazzistico contemporaneo. Un viaggio cominciato nel 1999 e che Joel prosegue ancora oggi con la stessa autorevole e talentuosa capacità di essere sofisticato, diretto e coerente.

Resolution 88 - Vortex

Come avevo preannunciato torno a parlare del gruppo jazz-funk britannico Resolution 88, in occasione dell’uscita del loro quarto album in studio, Vortex. Questo nuovo lavoro contiene 8 brani che portano il sound della band in una nuova direzione compositiva. I Resolution 88 mantengono il loro sound distintivo, pilotato sapientemente dal Fender Rhodes e dai sintetizzatori, con uno stile affine a quello di Herbie Hancock e Toby Smith dei Jamiroquai. La band ha registrato questo materiale con l'usuale quartetto ma l'album presenta alcuni artisti ospiti come la cantante Vanessa Haynes e Tom Smith al sassofono e al clarinetto basso. Negli album precedenti, i Resolution 88 hanno aggiunto in post produzione alcune sovraincisioni orchestrali ispirate ad album come Manchild di Herbie Hancock, ma in questo disco, le uniche aggiunte sono i soli suoni dei sintetizzatori. Il leader della band e principale compositore Tom O'Grady ha fatto di tutto per ricreare il mondo sonoro dei suoi personali punti di riferimento: i Mizell Brothers e chiaramente dell’idolo Herbie Hancock. "The Boss from Boston" apre il disco con uno stile potente: il basso virtuoso di Tiago Coimbra si intreccia con una linea melodica nel solco del grande Marcus Miller, per il quale i Resolution 88 hanno suonato come band di supporto al Ronnie Scott's Jazz Club. L'album passa rapidamente alla versione strumentale di "Love Will Come Around" (che riappare in una versione vocale alla fine del disco). La melodia si libra su una vera drum machine Roland CR78 (come quella usata da Hall & Oates e molti altri). "Sky High (for Larry & Fonce)" è un omaggio ai fratelli Mizell le cui produzioni degli anni '70 sono amate e celebrate in tutto il mondo, ma soprattutto nel Regno Unito. Tom O'Grady si è innamorato della loro musica non appena l'ha scoperta e questa ha avuto un'enorme influenza sulla sua ispirazione di musicista. Comporre una canzone è stato il modo più naturale per ringraziare i Mizell’s per l’influsso sulla sua carriera. Quando Larry Mizell in persona ha ascoltato questa traccia, la sua risposta ha, per così dire, dato un senso profondo all'ossessione per l'utilizzo di strumenti completamente originali. L’ha definita infatti monumentale, facendo i complimenti a O’Grady anche per la sua abilità tecnica. "Never Ever Ever", si apre con un groove particolare, scarno ed essenziale, prima che un assolo dei synth catturi l'ascoltatore. C’è un crescendo entusiasmante, una vera delizia per gli amanti delle tastiere analogiche vintage. Di seguito si continua con un classico groove jazz funk, "Shriffty". Come suggerisce il nome, questa traccia è ricolma di riff. Tom Smith è l’ospite di questa traccia, nella quale è protagonista della partitura di sax tenore. Il brano finisce proprio con un assolo di sax potente e suggestivo. Da sottolineare, nella sezione centrale, come Tom O'Grady offra a sua volta un assolo di Rhodes molto pecualire, ispirato ai suoi musicisti preferiti Herbie Hancock e Patrice Rushen. "Final Approach" è piuttosto originale e si propone di dipingere in musica le luci che guidano gli aerei di notte sulle piste di atterraggio. Questo pezzo inusuale è un groove rilassato e notturno che evoca l'emozione di volare verso nuove mete. "Vortex" dà il titolo all'album ed è facile capire il perché: è un brano importante, di ben 8 minuti. Il basso iniziale è ripetuto ritmicamente mentre attorno ad esso orbitano tutti i tipi di suoni “cosmici”. Quando entra la batteria, il basso improvvisamente assume tutto un altro senso. Tom Smith suona una semplice melodia al sax soprano e al clarinetto basso aumentando la tensione, il tempo raddoppia e l'ascoltatore viene letteralmente risucchiato nel “vortice”. A completare il quadro sonoro arriva anche un assolo di sax soprano, nello stile di Bennie Maupin, che irrompe in una apparente tranquillità. Infine l'ascoltatore viene nuovamente catapultato al centro da un assolo di Rhodes di Tom O'Grady, accompagnato dall'energia frenetica e trascinante di Ric Elsworth alla batteria, dal basso jazz groove di Tiago Coimbra e dalle percussioni potenti di Oli Blake. All'improvviso, tutto si dissolve e l’atmosfera torna spaziale. "Love Will Come Around featuring Vanessa Haynes" è la versione vocale della seconda traccia dell'album. Vanessa Haynes è meglio conosciuta per aver cantato come solista con gli Incognito, le leggende del jazz funk del Regno Unito. In questo brano porta tutta quell'esperienza e la sua incredibile voce piena di passione e sentimento. Questa canzone (sia la strumentale che la vocale) vuole essere una sorta di riflessione su tutto ciò che sta succedendo nel mondo in questo momento. Di fatto è impossibile ascoltare le notizie oquotidiane senza provare un sentimento di sconforto: Tom O'Grady intende così proporre qualcosa di positivo attraverso un messaggio edificante dal quale trarre, se possibile, il meglio di noi stessi e degli altri. Ancora una volta questi ragazzi inglesi hanno fatto centro, Vortex è un gran bell’album, uno dei migliori usciti nel 2024, merita senza dubbio attenzione.

Hubert Laws – The Laws Of Jazz

Quando si parla di uno strumento solista molto particolare per il jazz come il flauto traverso, ci sono tre nomi che vengono subito in mente: Eric Dolphy, Herbie Mann e Hubert Laws. Per i puristi del jazz i secondi due si portano dietro una fama non troppo positiva a causa della loro produzione più commerciale degli anni '70. Ma va detto anche che la loro abilità tecnica, il loro sound e la indubbia personalità rappresentano comunque i vertici per quanto riguarda il flauto. Se parliamo di Hubert Laws in effetti viene quasi istintivo associare l'artista ai suoi album per la CTI, ed alcuni di questi hanno effettivamente delle grandi qualità. Tuttavia ascoltando The Laws Of Jazz è altrettanto chiaro che il flautista di Houston (fratello del sassofonista Ronnie) ha uno spessore ed una profondità che vanno ben oltre il suo periodo alla corte di Creed Taylor, facendone davvero un personaggio di spicco del panorama jazzistico internazionale. D’altronde Hubert può vantare una carriera di oltre 40 anni nel jazz, nella musica classica e in altri generi musicali. Considerando l'abilità artistica del compianto Eric Dolphy e la popolarità del già citato Herbie Mann, Laws si trova ad essere in compagnia dei più famosi e rispettati flautisti di jazz della storia (di certo anche uno dei più imitati). Laws è uno dei pochi artisti di estrazione classica in grado di padroneggiare altri generi come appunto il jazz, ma anche il pop ed il rhythm and blues o il soul, muovendosi senza sforzo da un repertorio all'altro. La sua carriera inizia nel 1965 con l'Atlantic Records con la quale pubblicherà tre dischi di qualità, dei quali The Laws Of Jazz è il primo in assoluto. Si tratta di un hard bop piacevole, con Laws che resta molto compostamente in linea con la tradizione e veicola le sue composizioni e i suoi assoli con coerenza e rigore (è ovvio che qui non si può trovare l’ardore e la iconoclastica creatività di Eric Dolphy o Rahsaan Roland Kirk). I brani più accattivanti e memorabili sono in effetti quelli con i connotati più blues: "Bessie's Blues" e "Bimbe Blues", dove Laws si sbizzarrisce davvero con il suo flauto, innervandolo di un anima ricca di soul. Il gruppo che accompagna il leader in questa prima uscita annovera nomi noti ed importanti come Richard Davis, Jimmy Cobb e Chick Corea (qui presentato all'inizio della sua carriera come Armando Corea). Tutti i musicisti aggiungono ottimi assoli ed arricchiscono la sessione con grande maestria. Laws suona l'ottavino in due dei brani, uno strumento che forse funziona meno bene del traverso in questo contesto, probabilmente a causa del suo suono troppo stridente. Hubert Laws è di certo un magnifico strumentista, dotato di talento e di una tecnica sopraffina che gli ha consentito di avventurarsi con successo con le grandi orchestre di musica classica. Come detto, nei primi anni Settanta ottenne un grande riscontro commerciale (e persino il plauso della critica) con la sua miscela unica di jazz e musica classica, registrando molti album per l’etichetta CTI, della quale divenne uno dei nomi di punta. Alcuni di questi dischi, in particolare Morning Star, Afro Classic e In The Beginning, sono davvero rivoluzionari nel combinare jazz, musica classica e pop in un'unica e coesa presentazione. Tuttavia, la natura easy going e il tenore di brani pop come "Fire and Rain" di James Taylor o il tema del film "The Love Story" hanno via via allontanato molti appassionati puristi del jazz, tanto all’epoca quanto ancora oggi. Non intendo esaltare a tutti i costi il valore di un disco come Laws Of Jazz, che può più o meno essere di gradimento a seconda dei gusti e dell’apprezzamento che si può avere per lo strumento flauto. In generale qualsiasi appassionato dell'hard bop e del jazz moderno avrà modo di godere di The Laws Of Jazz, sia come documento storico (l'esordio di Laws e di un giovanissimo Corea) sia per la musica piacevole e di valore che offre.

Ramsey Lewis – Taking Another Look

Ramsey Lewis è salito ala ribalta a metà degli anni '60, proponendo una lettura del jazz in chiave strumentale funky e soul, in brani da top 40 come "The In-Crowd" e "Hang on Sloopy". La formula ha fatto guadagnare al suo trio (che includeva il futuro fondatore degli Earth Wind and Fire Maurice White alla batteria) un notevole successo e ha reso Lewis uno dei pianisti jazz di maggior successo di quel periodo. Tuttavia, all'inizio degli anni '70, si stancò del formato del trio acustico e conseguentemente abbracciò la fusion, l’R&B ed il funk più elettrico. All’apice di questa svolta artistica, unendosi nuovamente con Maurice White, raggiunse la sua piena maturazione nel 1974 con l'uscita del classico Sun Goddess. L’album presentava in diverse tracce molti componenti degli Earth Wind and Fire e vedeva il collaboratore di Miles Davis Teo Macero nel ruolo del produttore. Sun Goddess raggiunse il primo posto sia nella classifica di Billboard, nella categoria Black Albums che nella classifica degli album jazz. Di fatto è stato sia l'album di Lewis più venduto degli anni '70, che soprattutto una pietra miliare dell’emergente movimento dello smooth jazz. Chiunque abbia nostalgia di rievocare un po' delle calde sensazioni della metà degli anni '70 non dovrebbe esitare nello scegliere Sun Goddess come punto di partenza. Detto questo se facciamo un salto in avanti di circa 35 anni, scopriamo che in questo periodo Ramsey Lewis negli ultimi tempi non ha quasi mai riutilizzato un sintetizzatore o un piano elettrico Fender Rhodes, privilegiando quindi il jazz acustico. Poi, in modo del tutto casuale, il suo agente gli propose di riunire l'Electric Band e di rivisitare almeno in parte il materiale inciso su Sun Goddess. Inizialmente scettico, Lewis ha effettivamente rimesso insieme il gruppo "solo per vedere come si sente" ma subito scoprì che gli piaceva molto quello che veniva fuori. Così è nato Ramsey Taking Another Look, l'80° album di Lewis. Senza alcuna digressione sul viale dei ricordi, Ramsey Taking Another Look si reimpossessa di tutto ciò che c'è da apprezzare in Sun Goddess e lo traspone con forza qui ed ora. E dunque quattro delle sette tracce di Sun Goddess sono state ri-registrate da Lewis e dalla sua Electric Band con Charles Heath alla batteria, Joshua Ramos al basso, Henry Johnson alla chitarra e Tim Gant alle tastiere (mentre l’immortale "Sun Goddess" è una riedizione dell'originale e non un remake). Inoltre, ci sono cinque nuovi brani concepiti con un mood molto vicino a quello degli anni ‘70. Il brillante anche se anziano Lewis e i suoi complici appaiono comunque in gran forma. Come prova prendete ad esempio la loro versione di "Living for the City" di Stevie Wonder. Se vi è piaciuta su Sun Goddess, qui la adorerete. Ascoltate con attenzione le dinamiche del brano che colpisce immediatamente, con Heath e Ramos che propongono un magnifico groove funk, Lewis che lo fa suo con un assolo carico di blues. Come un Wes Montgomery che ha magicamente fatto sua "Round Midnight" e John Coltrane che ha reso unica la popolare "My Favorite Things", Lewis raccoglie la sfida con il classico di Wonder. Poco da dire anche sull'altro materiale che viene qui riproposto. "Jungle Strut", "Tambura" mantengono il fascino vintage degli anni '70 anche se il sound che ne esce è puro funk aggiornato al 2011. La splendida "Love Song" è quella che vede il restyling più importante tra il materiale di Sun Goddess. Ad alcuni potrebbe mancare la produzione lussureggiante dell'originale, ma una grande melodia è pur sempre una grande melodia. Uno degli aspetti più positivi di Ramsey Taking Another Look è il modo in cui suona fluido nonostante il divario di decenni nella concezione del materiale. Su "Betcha By Golly Wow" degli Stylistics lo Steinway di Lewis non ha mai suonato meglio e si sposa bene con le già citate "Love Song" e "Living for the City", mentre "To Know Her" combina il funk attualizzato con una melodia carica di pathos. Anche il chitarrista Henry Johnson contribuisce grazie ai suoi riff blues-bop. "Intimacy" apre il disco con un intro di Johnson alla chitarra, prima che il pianoforte maestoso di Lewis entri creando un groove melodico molto accattivante. "The Way She Smiles", è un veicolo che Mr. Lewis usa per condurci alle origini vere del funk. "Sharing Her Journey" conclude il tutto con un bel tocco di fusion vecchia scuola, ma se preferite potete chiamarlo smooth jazz. In realtà c'è ancora spazio per la riedizione di "Sun Goddess" (ridotta a cinque minuti dagli otto originali) che resta sempre un capolavoro (quell'assolo finale di Rhodes rimane uno dei punti più alti nel modo di utilizzare il piano elettrico). E tra l’altro ci ricorda che grande band fossero gli Earth Wind & Fire). Ramsey Taking Another Look è un album che pochi pensavano che Ramsey Lewis avrebbe realizzato (forse meno di tutti luistesso) e dimostra che a volte le cose migliori possono capitare dal nulla, quando non te le aspetti. Non a caso dopo la sua iniziale riluttanza a rivisitare il jazz elettrico, è proprio Ramsey Lewis a ritenere questo lavoro tra i cinque migliori che abbia mai realizzato. Bisogna credere al Maestro e ascoltando queste tracce, alla fine non si può che essere d’accordo con lui.

Jaco Pastorious – Jaco Pastorious

Jaco: fiume di parole, articoli, biografie, recensioni di ogni genere sono stati scritti sul personaggio Pastorious e sul suo incredibile talento. Ricorderò solamente che lui è stato un bassista, compositore e produttore discografico statunitense di jazz, fusion e funk, ma soprattutto un musicista da annoverare tra i più grandi bassisti di tutti i tempi e tra le figure più iconiche del secolo scorso. Suonava generalmente un basso elettrico fretless, ma sul palco usava anche un basso con i tasti. Nonostante la brevità della sua carriera, ha determinato una rivoluzione totale: col suo stile particolare è riuscito a caratterizzare lo strumento come nessun altro, ridefinendo il ruolo del basso elettrico come solista e suonando simultaneamente melodie, accordi, armonici ed effetti percussivi. Per numerosi bassisti anche non jazz (dal pop al rock) è stato e resta un importante punto di riferimento. Per qualsiasi serio appassionato di jazz fusion, dunque Jaco Pastorious rappresenta un mito di ineguagliata bravura. Per lo più autodidatta, a 22 anni insegnava però già il basso all'Università di Miami, dove strinse una forte amicizia con il chitarrista Pat Metheny, cosa che avrebbe portato i due a registrare insieme, pubblicando un LP poco conosciuto (semplicemente intitolato Jaco) nel 1974. Ma fu solo quando divenne membro dei Weather Report che il giovane virtuoso iniziò a lasciare il segno sulla scena mondiale. L’album di debutto da solista, pubblicato nel 1976, è una vetrina per gli incredibili talenti del bassista, per non parlare della sua maturità come compositore. A unirsi a lui in studio non c'erano altri che alcuni dei musicisti jazz più straordinari dell'epoca: Herbie Hancock, Wayne Shorter, Lenny White, David Sanborn, Hubert Laws e Michael Brecker. Anche le leggende del soul/R&B Sam & Dave fanno una sporadica apparizione. Iniziando l’album con una cover di "Donna Lee" di Miles Davis, Jaco mette subito tutte le carte in tavola, con un'interpretazione molto creativa di questo classico del be-bop. I già citati Sam & Dave contribuiscono con le loro voci al funky "Come On, Come Over", in cui Herbie Hancock e i fratelli Brecker aggiungono un certo colore e una consistenza tutta loro. "Continuum" indica quelli che saranno i suoi giorni futuri con i Weather Report, mentre nella collaborazione con Hancock intitolata "Kuru/Speak Like A Child" i due si impegnano in una sorta di duello di talenti. Sei violinisti, tre violoncelli e tre viole vengono utilizzati per attirare l'attenzione dell'ascoltatore, ma incredibilmente, il tutto non suona mai troppo ridondante o pretenzioso. La ballata "Portrait of Tracy" è uno dei brani più noti dell'album, in cui Jaco riesce a dipingere un quadro impressionaista con il suo basso elettrico che è tanto tenero quanto intricato. Che si tratti del calypso che incontra la fusion di "Opus Pocus", di "Okonkolé Y Trompa" ispirato a Miles Davis (scritto insieme a Don Alias), con i suoi ritmi complessi di world music, o dell'esteso "(Used to Be a) Cha-Cha", con Hubert Laws al flauto e al flauto piccolo, Lenny White alla batteria e, naturalmente, lo stesso Herbie, Pastorius e i suoi amici non sbagliano mai un colpo, producendo musica che è sia rilassante che stimolante. Quella che era originariamente l'ultima traccia dell'LP, la quasi cinematografica "Forgotten Love", vede Jaco quasi soffocato da una pletora di violini, violoncelli e viole. Sebbene composta da lui stesso, è Hancock che in realtà si prende il centro della scena, offrendo un'esecuzione magistrale al pianoforte. L'edizione del 2000, pubblicata su CD, ha ricevuto la rimasterizzazione completa che l'album meritava, con le eccellenti note di copertina di Pat Metheny, e la sempre gradita inclusione di due tracce inedite. Una registrazione alternativa di "(Used to Be a) Cha Cha" e "6/4 Jam": brani che, a differenza di altri esempi di tracce bonus, in realtà migliorano l'esperienza di ascolto, arricchendola. Se non fosse già chiaro a tutti, Jaco Pastorius fu innegabilmente un grande maestro del basso elettrico fretless. Purtroppo anche a causa degli abusi di sostanze stupefacenti e alcol morì in circostanze tragiche nel 1987 all'età di soli 35 anni, lasciando un vuoto incolmabile. Ciò che questo album dimostra, senza ombra di dubbio, è che Jaco rimarrà per sempre uno dei bassisti più preminenti che il mondo abbia mai conosciuto (e ascoltato). Il solo fatto che avesse 24 anni quando lo registrò lo rende ancora più sorprendente. Da un certo punto di vista è impossibile ascoltare oggi l'album di debutto di Jaco Pastorius con lo stesso feeling di quando fu pubblicato nel 1976. Ma l'opera è comunque grandiosa ed ogni traccia prende una direzione diversa, ognuna è un piccolo capolavoro che rappresenterebbe qualcosa di cui andare fieri per qualsiasi musicista. Ciò che rende Jaco così eccezionale e in qualche modo immortale è il fatto di essere stato un precursore, un genio in grado di cambiare la storia di uno strumento come il basso, rompendo qualsiasi barriera e lasciando così un’eredità inestimabile. Oltre alla sua fenomenale tecnica e alle sue sorprendentemente mature capacità compositive, c'è da tenere conto dell'audacia dei suoi arrangiamenti. Per un uomo con questo tipo di precoce e caleidoscopica creatività, rimanere sano di mente forse era chiedere troppo; la sua graduale discesa nella follia e la sua tragica morte sono ormai una storia familiare, che rende la brillante promessa di questo glorioso album di debutto ancora più agrodolce.

John Patitucci – John Patitucci

Gli anni ’80 videro un fiorire di talenti del basso elettrico nel jazz. Complice la tendenza alle contaminazioni con il funk ed in parte anche con il rock ebbero modo di venire alla ribalta diversi musicisti di grande valore e di tecnica sopraffina. Erano un po’ come dei figli artistici, per così dire, di Jaco Pastorius, Stanley Clarke e altri capostipiti di un modo nuovo di interpretare il basso: più dinamico, più muscolare, financo più spettacolare. Da lì in avanti il basso elettrico si trasformò da semplice motore ritmico a qualcosa di diverso, per molti versi sovrapponendosi alla chitarra. Sulla scia dei primi ed insuperati geni, furono in molti ad affermarsi ed a caratterizzare la musica dei decenni a venire. Tra i tanti incredibili interpreti di questo affascinante strumento, del quale controllavano con perizia ogni sfumatura, va senza dubbio annoverato anche John Patitucci. Personaggio particolare con una vocazione quasi maniacale verso il basso fin dalla più tenera età, John aveva ben chiaro quale dovesse essere il suo destino già a dodici anni. Ad una età durante la quale la maggior parte di noi è di solito preoccupato per la scuola o magari fissato con uno sport, Patitucci si dimostrò determinato a diventare un musicista professionista. Non proprio una cosa usuale, in effetti. Ma Patitucci era più maturo della sua età, era consapevole di avere le capacità e la giusta attitudine per la musica. A questa caparbietà aggiunse il duro lavoro, la determinazione e lo studio costante ovvero quelle peculiarità che sarebbero poi diventate il suo vero biglietto da visita. Così John iniziò effettivamente a suonare il basso elettrico, ma a quindici anni unì a questo anche una viscerale passione e dedizione per il contrabbasso acustico. Il risultato è sotto gli occhi di tutti gli appassionati e ha portato il musicista newyorkese ad essere considerato da molti uno dei bassisti più talentuosi del pianeta. Con una nota di merito e di distinzione particolare, se si considera che è tra i pochi a padroneggiare sia l'elettrico che l'acustico con uno stupefacente livello di virtuosismo. D’altra parte ha forgiato la sua preparazione all’interno di un contesto tra i più stimolanti e creativi del secolo scorso: le Elektric e Akoustic band di Chick Corea. E’ proprio uscendo finalmente dall’ombra del gigante Corea e dei suoi formidabili compagni d’avventura che Patitucci ha dato alla luce nel 1987 il suo album d’esordio. Fu un brillante e piacevole debutto da solista, scandito con vigore e classe dal suo brillante modo di suonare il basso. Fuori dalle band di Corea, John espresse subito la sua tecnica sopraffina, caratterizzata da uno stile slap funk, del quale è un fantastico esponente, ma ricamando al contempo linee fluide e sofisticate sul suo basso a cinque corde. Patitucci, non è mai sopra le righe ed esibisce la compostezza ed il rigore di un grande bassista spingendo tuttavia spesso il suo strumento nella gamma della chitarra. Anche dal punto di vista compositivo i brani di John risultano interessanti, molto ben articolati e soprattutto non troppo legati ai cliché del jazz-rock o della fusion. Il jazz è ben presente ed anche se è virato con contemporaneità e sempre elettrico, non è un semplice sentore. Pezzi come Growing, Baja Bajo, Killeen, Searching, Finding o Wind Sprint descrivono in modo eloquente la bravura di Patitucci come solista e, sia pure con qualche influenza evidente derivata direttamente da Chick Corea, testimoniano l’originalità e la creatività del musicista. Di certo in questo suo album d’esordio Patitucci riceve un sostanziale aiuto da parte di un gruppetto di fantastici musicisti, tra i quali lo stesso sorprendente Chick Corea (che è anche il produttore del lavoro) ed un trio di batteristi che si alternano e che rappresentano il gotha mondiale dello strumento quali Dave Weckl, Peter Erskine e Vinnie Colaiuta. La ciliegina sulla torta è rappresentata dal sax tenore di Michael Brecker, che come sempre aggiunge qualcosa in più a qualsiasi progetto musicale. Non c’è alcun dubbio, che questa opera prima di John Patitucci accrebbe in modo esponenziale la reputazione di questo formidabile musicista, lanciandolo verso una luminosissima carriera. Non a caso John ha vinto in seguito molti sondaggi indetti dalle riviste specializzate proprio per le sue indiscusse capacità e lo stile originale che caratterizzano il suo approccio con lo strumento. È risultato tra l'altro "migliore bassista jazz" in un sondaggio dei lettori indetto dalla rivista Guitar Player Magazine nel 1992, 1994 e nel 1995 e "miglior bassista jazz" in quello della rivista Bass Player nel 1993, 1994, 1995 e 1996. Questo album omonimo, il primo da solista di un grande maestro del basso, è un lavoro storicamente importante, che era già avanti a fine anni '80 e tuttora si mantiene attuale ed interessante. E’ un disco per appassionati del basso come strumento, ovviamente è imperdibile per gli amanti della fusion ma risulta apprezzabile anche da coloro che amano il jazz: è sufficiente per consigliarlo caldamente, anche in virtù di una registrazione dalla qualità straordinaria.